Basée à Tokyo, ARKO se décrit elle-même comme une « artiste de la paille » qui applique son approche créative à l’artisanat traditionnel depuis 2002. Représentée par la galerie de design Somewhere Tokyo, elle utilise des matériaux naturels et des techniques ancestrales pour réinsérer des coutumes oubliées dans la vie moderne.

Agglomération de paille de riz, cette œuvre d'art murale remonte à une époque plus traditionnelle. Jadis tissé dans la vie quotidienne des Japonais - chaussures, vêtements et couvertures - le matériau est maintenant principalement utilisé dans les ornements sacrés de la cérémonie du nouvel an Shimenawa. En utilisant des modèles de couture uniques pour créer de belles formes ondulantes, ARKO cherche

pour créer de belles formes ondulantes, ARKO cherche à resserrer le lien qui s'estompe entre la campagne et la vie contemporaine. Dégageant un parfum naturel, la paille de riz rappelle de façon organique l'identité ethnique et la providence naturelle.

Artisane sur le tard, Van Hoey a échangé une carrière en économie contre des études dans la céramique à l'Institut des arts et de l'artisanat de Malines avant de créer son propre studio indépendant. En perfectionnant une technique de pliage spéciale, ses pièces se sont multipliées dans les galeries du monde entier. En 2011, elle a été nommée membre de l'Académie internationale de la céramique.

Imprégné d'idées sur la matérialité ancestrale et l'innovation industrielle, ce vase s'inspire de la géométrie et de la précision de l'origami japonais. Après avoir plié méticuleusement des feuilles d'argile, Van Hoey enduit la surface avec le vernis cendré de la peinture automobile Ferrari. La collision entre l'ancien métier de fabricant de vases en terre cuite et l'un des symboles de prestige les plus luxueux de la société moderne crée un dialogue entre l'artisanat pur et l'apogée du consumérisme capitaliste. C’est une juxtaposition qui pousse les spectateurs à réfléchir sur la tension entre la tradition et le progrès.

Sculptrice depuis qu'elle a touché l'argile pour la première fois en 1972, McLoughlin a passé ses premières années entre des studios à Dublin et à Amsterdam et des séjours influents en Chine et au Japon. Son travail a été exposé au Royaume-Uni, en France et aux États-Unis et elle est basée de manière permanente aux Pays-Bas depuis 1988.

Cherchant à insuffler des idées dans les couleurs appliquées à son argile, la surface sombre de ce vase volumineux capture les profondeurs d’une vaste étendue d’eau. Inspirée par la voie navigable Ij à Amsterdam, qui sert de toile de fond aux déplacements quotidiens de McLoughlin, l'argile sombre a été enroulée, lissée, polie et émaillée pour donner une expression parfaitement équilibrée de la forme volumétrique. Rehaussé par une couleur profonde, cet effet rappelle les reflets de la lumière de fin de soirée qui donnent son charme à la plus grande voie navigable d’Amsterdam. L'émail intérieur ondulant dégage également une douce lueur, rappel brillant du noyau énigmatique de la Terre.

Åkesson, l'une des céramistes les plus méditatives de Scandinavie, associe son amour de l'argile à un penchant pour les procédés lentement réalisés. Artiste représentée par certaines galeries norvégiennes et suédoises, ses œuvres artisanales ont été exposées en Europe, aux États-Unis et en Asie. En 2012, elle a reçu le prix européen du World Craft Council.

Åkesson savoure le temps qui passe lentement comme un refuge pour faire mûrir ses propres idées et impulsions. La surface lisse de ce vase cylindrique, l’un des plus grands d’une série de douze pièces uniques, est révélatrice de la sérénité qu’elle insuffle dans ses créations. Utilisant une technique de colombinage pour construire Container à raison de 5 cm chaque jour, l’intérieur creux est un symbole contenu de la raison pour laquelle un espace vide est essentiel pour que les artistes réfléchissent et créent.

Maître de la technique de laque coréenne ottchill, Chung a perfectionné son savoir-faire traditionnel au Japon et au Vietnam. Récompensé du prestigieux Ordre du Mérite culturel Okgwan par le président coréen en 2015, ses créations sont exposées dans le musée britannique Victoria & Albert et dans celui de Philadelphie.

Rayonnant le rythme de chaque coup de pinceau, cette collection de vases à teintes multiples est une ode à la technique séculaire de l’ottchill. Réalisé en appliquant plusieurs couches de tissu de chanvre, de pâte de colle de riz, et de laque ottchill, l’effet composite est resplendissant avec une couleur dense et sombre qui semble briller profondément à l’intérieur. Le nom Rhythm of Luster fait référence à la surabondance de traits gestuels libres - du mesuré au plus vigoureux - qui rendent le rayonnement singulier de chaque pièce.

Étudiante à la Kustodiev Art School depuis l'âge de cinq ans, Razumovskaya a obtenu son Master en céramique et verre en 2017 à la Royal Academy of Art de Londres. Accumulant de nombreuses récompenses, son style d'inspiration typiquement soviétique est souvent présenté dans les plus grandes biennales du monde et à Édimbourg, où elle réside actuellement.

Rappelant un arbre usé par le temps, la surface craquelée de cette colonne de porcelaine capture également l'essence des reliques architecturales de l'ère soviétique. En utilisant des techniques de cuisson complexes pour créer une texture délabrée, Razumovskaya recrée l'effet de la décomposition qui a envahi de nombreux bâtiments autrefois futuristes de l'URSS. Construits avec une grammaire visuelle sans compromis, le passage du temps a dépouillé leur prestige, révélant des formes sans fioritures qui deviennent lyriques dans leur déclin. De par sa similitude avec l'écorce d'arbre fissurée, cette structure en céramique suggère que toutes les choses - tant naturelles que synthétiques - sont à la merci de l'âge et de l'abandon.

Présente dans plus de quarante collections publiques à travers le monde, cette céramiste écossaise a étudié au Edinburgh College et au Royal College of Art. Nourrissant une préférence pour les techniques traditionnelles élaborées à la main, Lee a développé sa propre méthode de coloration en mélangeant des oxydes métalliques à de l'argile.

Rappelant un arbre usé par le temps, la surface craquelée de cette colonne de porcelaine capture également l'essence des reliques architecturales de l'ère soviétique. En utilisant des techniques de cuisson complexes pour créer une texture délabrée, Razumovskaya recrée l'effet de la décomposition qui a envahi de nombreux bâtiments autrefois futuristes de l'URSS. Construits avec une grammaire visuelle sans compromis, le passage du temps a dépouillé leur prestige, révélant des formes sans fioritures qui deviennent lyriques dans leur déclin. De par sa similitude avec l'écorce d'arbre fissurée, cette structure en céramique suggère que toutes les choses - tant naturelles que synthétiques - sont à la merci de l'âge et de l'abandon.

Les couleurs du paysage natal de Hogan autour de son pays natal, le Loch na Fooey, ont profondément influencé son style naturel. Tissant des paniers depuis 1978, Hogan s’inspire des traditions établies pour explorer de nouvelles techniques et conceptions. Exposées dans toute l'Europe, ses créations résonnent avec des préoccupations à la fois environnementales et artistiques.

Décrivant son désir inné d'approfondir ses liens avec le monde naturel, Hogan s'est servi du bois provenant d'un hêtre abattu par la tempête pour créer ce panier arrondi. Le hêtre récupéré sert de noyau central, guidant les lignes inégales de la vannerie en osier pour augmenter l’asymétrie de la nature. Le modèle qui en résulte étend la rumination de l'artisan selon laquelle la responsabilité environnementale doit aller au-delà du simple domaine de la pensée rationnelle ; une meilleure compréhension de la terre peut aussi être atteinte grâce à l'art.

Artiste pionnier dans la nouvelle scène du verre de la Corée du Sud, Kim est fasciné par la palette de couleurs du monde naturel. Gagnant de l'argent à l'édition 2013 de l'Exposition internationale du verre de Kanazawa, son travail vibrant est exposé au Musée national d'art moderne et contemporain de Corée.

Expression de la fascination sans fin de l'artiste pour la malléabilité du verre, sa couleur polychrome et la juxtaposition de l'opacité et de la translucidité, ce bol éthéré est un portrait du temps et de l'endroit. Une série d'épines en forme d'ailes imprègne la forme traditionnelle avec des fioritures plus modernes. En utilisant la méthode de gradation pour obtenir une couleur semblable à celle du crépuscule qui émane des profondeurs du verre, Kim capture les tons célestes crépusculaires. La fragilité de cette boule creuse et brillante révèle l’imagination squelettique de Kim concernant l’excavation et l’exposition.

Sculpteur sur bois qui a appris son métier auprès des fabricants de meubles de San Francisco, Julian Watts associe l'art contemporain à l'artisanat traditionnel du bois. Ayant étudié l'installation artistique contemporaine à l'Oregon University, il s'est depuis tourné vers la sculpture dans son propre studio à Oakland, en Californie.

Cette réinterprétation ludique du banc utilitaire explore l’histoire poétique des sièges partagés. Watts est fasciné par la façon dont le banc a été au centre des rassemblements spirituels, des repas partagés et de l’intimité communautaire, et tour à tour, un élément emblématique de l’attente et de l’introspection. Taillé dans le bois d'érable, la surface irrégulière est tachetée de cavités roses qui invitent au toucher de doigts fureteurs. Son utilisation des contours anatomiques donne au banc une apparence abstraite semblable à celle de l’humain, ce qui encourage la recherche viscérale. La création d'un lieu d'interaction contemplative met en lumière la tension entre l'hyperconnectivité, l'isolement et l'intimité qui caractérisent notre époque moderne.

Métallurgiste de formation, Stockner a étudié la création de bijoux pendant ses études à Florence et a travaillé aux côtés d'orfèvres dans le sud de la Toscane. Il a créé son propre atelier en 2003 dans le Tyrol du Sud et est devenu maître forgeron en 2012. En 2015, il a remporté le prix Art Aurea.

Alliant la force du métal à la fragilité apparente des coquilles, ce bol en cuivre dégage une allure presque paradoxale. Une maîtrise magistrale du matériau produit un hémisphère parfaitement proportionné, mais la structure remarquablement fine a une qualité élastique qui permet au bol de se plier. Les légères touches qui ornent la surface ajoutent à la sophistication discrète du bol, faisant allusion à l'approche ludique et aux idées éphémères de l'artisan. Son étreinte à effet oscillant explore le fragile équilibre entre beauté et utilité, en s'attaquant à l'impermanence de toutes les formes.

Influencée par les poêles en faïence traditionnels de sa mère, Janssen nourrit une fascination pour la gravité du four dans les maisons européennes depuis son plus jeune âge. Diplômée des beaux-arts, elle a reçu une bourse d'études en design et en architecture de la Chancellerie fédérale d'Autriche en 2017 et a fusionné l'histoire et les coutumes européennes dans ses créations.

Après avoir recherché l'importance du four domestique à travers l'histoire européenne, Janssen capture son caractère presque animiste avec cet objet dissimulé. Le cœur brûlant de la maison a longtemps fait l’objet de superstitions et de coutumes mystérieuses ; lui conférant un statut équivalent à celui d'un être vivant. Son concept de fournaise gainée met à jour ces tomes séculaires, soulignant ainsi le lieu souvent caché de la cuisinière moderne. Entouré de draperies en céramique, son poêle encore en activité conserve sa valeur symbolique en tant que source de chaleur, mais devient une incarnation du mystère qui l’entoure depuis la nuit des temps.

Peignant depuis son plus jeune âge au milieu des paysages très différents de son enfance en Galice et sur les îles Canaries, Mercedes Vicente a mûri en devenant sculptrice. Son travail a été exposé dans toute l'Espagne, notamment au Museo de Lugo en Galice et à la Fondation Eugenio Granell.

La forme contorsionnée de cette toile constitue un renversement poétique de la manière dont ce matériau omniprésent est utilisé dans l’art. En spirale de fond en comble, Mercedes Vicente crée une structure enroulée dynamique qui exprime avec puissance le mouvement et la tension inhérents à son processus de création. La surface profilée est le reflet de l'ordre interne de la forme de coquille, qui développe et dicte la manière dont l'objet est développé. Évoquant l’imagerie d’un accordéon très enroulé ou d’un tissu humain en expansion, la structure torsadée chevauche une frontière délicate entre force et vulnérabilité.

Cherchant à articuler la langue chinoise du design, la fascination de Chen pour l'art chinois traditionnel est née d'une formation précoce en calligraphie et en peinture. Après des études à la Domus Academy de Milan, sa pratique éponyme a cherché à forger un lien entre l’Est et l’Ouest, tout en abordant le thème de la tradition et de la modernité.

Chen a toujours considéré le design comme une langue ancrée dans un point de départ singulier et conçue à la fois par l'histoire et la culture. Inspiré par le rythme lent et l'atmosphère paisible de sa ville natale de Hangzhou, il utilise ce rythme plus détendu pour créer un tabouret concave en bambou. Brouillant la frontière entre l'ancien et le nouveau, la somme de ces placages de bambou stratifiés produit un meuble compact qui fait allusion aux innombrables couches d’influences façonnant le design contemporain.

Ce jeune joaillier écossais a une affinité naturelle pour les symboles telluriques. Après avoir déménagé en Espagne en tant que traducteur, il a étudié la création de bijoux contemporains à l'Escola Massana de Barcelone avant d'être invité à revenir dans son pays d'origine en tant qu'artiste en résidence à la Glasgow School of Art. Il termine actuellement ses études à l'Académie des beaux-arts de Munich.

Inspiré des contours terrestres et des idées sur nos liens avec la terre, Searching for Solid Ground fait partie d'une collection de trois pendentifs en acier élégamment soudés. Encapsulation de l'intégrité illusoire de la surface de la Terre, chaque pièce rappelle le potentiel du sol à se fissurer, se transformer ou se dissoudre sous nos pieds. Pour Adie, la surface de la terre est une dichotomie trompeuse entre stabilité et changements dramatiques ; une métaphore des forces physiques et émotionnelles qui nous affectent tous.

Membre de l'éminent 62 Group of Textile Artists, McVetis est réputé pour ses dessins et sculptures brodés avec raffinement. Étudiant en création textile, McVetis est captivé par la nature répétitive du processus, ce qui le pousse à explorer les similitudes entre le stylo sur papier et le fil sur tissu.

En brodant soixante cubes en l'espace de soixante heures, McVetis matérialise de multiples points de suture dans le temps, créant un moment tactile et tangible. Les idées sont souvent la réponse instantanée à une question inattendue. Cousant un cube toutes les heures jusqu'à ce que les soixante soient brodés, le travail d'agrégat transforme la force invisible toujours présente du temps en un objet matériel complet, cohérent mais résolument ludique. À travers la création, nos mains témoignent du temps qui passe. Avec Variations of a Stitched Cube, McVetis tisse sa propre enquête sur la manière dont cette dimension est ressentie, vécue et construite.

La créatrice de bijoux Rita Soto, qui a appris le métier de son père, fusionne son savoir-faire en design industriel avec les traditions séculaires de son pays pour créer ses propres œuvres d'art. Actuellement présidente de la Guilde des joailliers chiliens contemporains du Chili, elle a fondé l'école de bijouterie Lajoia Lab en 2012.

En explorant les techniques artisanales et la sagesse ancestrale, Soto a mêlé ses conclusions à cette série de broches avec le zèle d'une mission de sauvetage. Reprenant la micro-vannerie chilienne traditionnelle en crin de cheval, les formes biomorphiques sont une expression de l'identité locale, englobant histoire, coutumes, matériaux et récits quotidiens. Les formes qui en résultent ressemblent à des organes externes fragiles qui s’accrochent à nous comme des souvenirs. En mêlant les souvenirs à l'imaginaire, chaque broche incarne un symbole identitaire chargé d'histoire.

Diplômé d'un master à l'Hiroshima City University au Département de design et d'arts appliqués en 2002, Ryuhei Sako utilise la technique japonaise séculaire Mokume-gane du travail du métal pour créer des œuvres contemporaines. Membre de la Japan Arts and Crafts Association, son travail se caractérise par de nombreuses recherches et expérimentations.

Ce vase métallique aux multiples facettes est un mélange d’interprétation traditionnelle et moderne. Repoussant les limites de la technique de soudage traditionnelle Mokume-Gane, le vase est constitué de 26 couches de métal, comprenant des alliages japonais traditionnels tels que le « shakudo » (alliage de cuivre et d'or) et le « shibuichi » (alliage d'argent et cuivre). Brillant d'une lumière immensément pure, la surface est ornée de boucles qui font allusion à sa complexité chimique. La coupe transversale des matériaux sous-tend cet effet ondulé qui illustre de manière rythmique pénurie, densité, immobilité et mouvement dans une seule et même pièce.

Réfugié vietnamien qui a trouvé refuge en Allemagne, Duong a étudié la création de bijoux à Pforzheim, où il réside toujours. Sa broche et ses créations de bijoux à grande échelle lui ont valu de nombreuses distinctions, notamment celle de sixième orfèvre honorifique de la ville allemande d'Hanau en 2015.

Taillée dans de l'argent plaqué or et des perles d'eau douce, cette collection de bijoux s'inspire des mystères non découverts de l'océan profond. Grâce à l'utilisation de textures délicates pour créer l’attrait du givre, de la mousse ou des champignons fossilisés, les éléments de chaque collier peuvent être réarrangés, conférant à chaque pièce une qualité d’interprétation de forme libre. Les surfaces de chacune de ces formes en nacre, en corail et en forme de coquille témoignent des expressions souvent surnaturelles de la nature.

Diplômée de l'institut de design de Koszalin, Gackowska a obtenu son master à l'Académie des beaux-arts de Pologne et à l'Université finlandaise de Saimaa. Son approche audacieuse et non conventionnelle transforme des matériaux tels que la pierre et la bio-résine en pièces remarquablement matures.

Les surfaces brisées de cette série de broches en hématite en quatre parties constituent un miroir du flux de pensée imprévisible de leur créateur. Traditionnellement une place pour les petits portraits peints, chaque camée ovale est fracturée, créant ainsi une image condensée de ruines sublimes. L'utilisation d'oxyde de fer ressemblant à du sang est une indication transcendante de la fragilité humaine, mais en expérimentant avec ses matériaux, Gackowska permet à chaque pièce unique de parler son propre langage.

Diplômé dans les domaines de l'artisanat et de la fabrication du verre à l'Université d'Osaka, le travail de Yokoyama est le résultat de processus complexes réalisés au même endroit de fabrication de son verre. Vivant et travaillant dans la ville côtière japonaise de Toyama, il trouve constamment de nouveaux moyens de capter le pouvoir délicat de ses matériaux.

Cette bulle de verre est formée à partir du « souffle de vie » de son créateur. Formé à partir de verre fondu à 1200 °C puis enroulé et soufflé, l’ouvrage gonfle jusqu'à plus d'un mètre de diamètre pendant une seconde, avant de se déformer et de se fendre en refroidissant. Souffler dans le verre libère un sentiment primitif alors que la sphère est façonnée en fonction de la puissance contrôlée de son fabricant.

La forme embryonnaire est un symbole de la vie naissante, une idée silencieuse qui gonfle encore plus dans l'imagination de chaque spectateur.

Sculptrice textile autodidacte, Pheulpin utilise du coton écru pour créer des formes inspirées de paysages naturels. Son utilisation captivante d'innombrables plis dans ses motifs lui a permis d'exposer son travail à travers l'Europe et les États-Unis. Elle a notamment été lauréate en 2015 du prix Le Créateur de la Fondation d'Ateliers d'Art.

En récupérant des bandes de coton densément enveloppées dans des pneus de voiture dans les Vosges, Pheulpin transforme avec cette pièce sculpturale impressionnante un tissu humble en une sorte de géologie préhistorique. En utilisant des bandes de mousseline non blanchie, Pheulpin façonne uniformément, empile de manière dense et transforme son matériau en un symbole de force naturelle. Imitant des fissures dans la roche et des sédiments usés par le temps, cette grande pièce compacte transmet des idées sur l'énormité du passé de la Terre, nous incitant à considérer la fragilité de notre propre existence.

Outilleur qualifié devenu artisan du verre, la vision unique de Dam émane de son studio danois depuis des décennies. Une habileté à utiliser différents matériaux et une solide connaissance des outils, des techniques de moulage, de rectification et de construction mécanique ont permis d'élucider une quête permanente visant à rendre l'intangible plus compréhensible.

Une maîtrise alchimique des techniques de verrerie encadre ce cabinet de curiosités illuminé. Fasciné par l'existence d'énigmatiques réserves et armoires contenant des choses que ni la science ni la bible ne pourraient expliquer, cette collection de spécimens biologiques en bocaux est le commentaire de Dam sur la nature éphémère de la guérison. Depuis des temps immémoriaux, des éléments provenant d'animaux et de plantes ont été appliqués à la médecine. Invoquant une surabondance de spécimens sortant de sa propre imagination, Dam nous rappelle qu'il existe encore des limites à notre compréhension du monde naturel.

Maître du kaolin, Yasuda a étudié à la prestigieuse école de poterie Daisei-Gama au Japon avant de créer son propre studio à Kita Mashiko. En 2010, il a dirigé le Pottery Workshop en Chine, participant au développement du programme de résidence. En 2011, il a co-fondé le studio Red House à Jingdezhen.

Depuis qu'il a commencé à travailler avec le kaolin, Takeshi Yasuda s'est efforcé de faire la paix avec son matériau. Ses pensées méditatives sont déversées dans ce vase comprimé qui brille de l'intérieur et laisse transparaître de l'or, suggérant une sensation de plénitude et de sagacité artisanale. Une convergence de la porcelaine traditionnelle Jingdezhen et de la glaçure Qingbai, combinée à de l’or colloïdal, le placage lisse contraste avec les ondulations subtiles de l’intérieur.

La dernière pièce capture à la fois la morosité et la permanence sous une forme expressive singulière.

La réputation de Kuwata en tant que potier radical découle de son penchant pour les procédures expérimentales alors qu'il pousse le potentiel des matériaux. Connu pour ses combinaisons de couleurs intenses et saturées, un respect sous-jacent de ses prédécesseurs est évident dans les références aux formes et aux fonctionnalités traditionnelles.

Exploration des idées conçues et développées au cours de sa manipulation de la porcelaine, du platine et de l’acier, ce conteneur regorge de possibilités. Une préférence pour l'expérimentation signifie que Kuwata ajoute souvent des éléments tels que des pierres ou des aiguilles au four ou à l'argile afin de percer ou de perforer ses vases. Le métal en fusion recouvrant ce bol à thé crée une première impression de dysfonctionnement, mais il ne s'agit que d'une indication de l'approche joyeuse de Kuwata en matière de création. Sous la patine enjouée se trouve un élégant vase ancré dans une tradition intemporelle.

Formé au London College of Furniture, Stutchbury a passé dix-huit ans à acquérir des connaissances et une vision dans certains des meilleurs ateliers sur mesure de Londres et d'Irlande. De retour à l'université pour étudier l'artisanat 3D, il a ensuite créé Blue Monkey Studio, qui se concentre sur la fabrication de modèles complexes d'objets du quotidien.

Une branche centrale du discours de Stutchbury est inspirée par la façon dont ses matériaux en bois spécialement dénichés ont réagi à leur environnement. En nommant ses pièces en fonction du lieu où il se procure le bois, il crée un lien intangible avec le lieu de naissance de sa matière naturelle. Cette pièce fonctionnelle à grande échelle marque le départ d'un artisan qui fabrique généralement des miniatures. Combinant plusieurs bois pour créer un cloison de séparation à trois panneaux, son intervention minimaliste crée une surface ondulée légèrement texturée, qui devient un modèle de l’interaction entre ombre et lumière.

Après avoir étudié les arts textiles à Séoul, Chang s’est consacrée à une passion de plusieurs décennies pour l’art contemporain. Les thèmes récurrents de son travail incluent le temps, l’espace et la multitude de relations qui les unissent. Lauréate du prix de l'artiste de l'année 2008 en Corée, ses créations sont présentées dans les plus grands musées du monde.

Véritable hommage au travail historique des femmes coréennes, cette pièce murale raconte l'histoire multidimensionnelle du textile. Teint en bleu indigo plus de trente fois, le tissu abaca ultra-rigide rend hommage à sa création disciplinée. La chronologie présentée par ces trois boîtes produit un langage visuel répétitif qui invite à réfléchir sur la philosophie orientale du début à la fin. En développant des morceaux de tissu en un objet tridimensionnel, on obtient un hommage élogieux à cet artisanat historique - et une distillation de la forme humaine.